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小時候學鋼琴，覺得最無聊的東西莫過於練習曲。第一本所謂的鋼琴教本就是眾所皆知的拜爾鋼琴教本，從最基礎的一個一個音開始，然後開始有點變化音型，不過再怎樣的有所變化，對於小朋友來說都只是無聊的手指運動，並沒有什麼優美的旋律可言。不曉得有多少小朋友因為這本教材的關係被扼殺了對鋼琴興趣，所以後來坊間出現了各種有趣活潑的教本搭配拜爾，讓小朋友有彈奏音樂的成就感，而時至今日，拜爾依舊屹立不搖於鋼琴初等教育中，我想這本最初階的入門練習曲還會繼續雄霸百年吧！
附上Martha Argerich蕭邦練習曲Op.10 No.4的現場演奏
但是即使學琴過了二十年，知道這本教本舉足輕重的地位，對於那時候的我來說，對練習曲實在沒有什麼好印象。每當一本練習曲彈完，以為可以結束這場地獄的試煉時，偏偏另一本練習曲又接踵而來。這個萬惡的淵藪就是人稱鋼琴教育大師的徹爾尼(Carl Czerny)。徹爾尼師從貝多芬、薩列里(Antonio Salieri，就是在阿瑪迪斯這部電影中那個追憶他跟莫札特的過節的老人)，而鋼琴的炫技派作曲家李斯特則是撤爾尼的學生，在這個一脈相傳的古典譜系中，他的承先啟後地位並不因他沒有什麼重要的大作品(交響曲、協奏曲等)而因此消失在歷史的洪流之間，相反地，因為練習曲產量極高，而奠定他在歷史上不朽的地位。
Carl Czerny在維也納中央墓園的墳地
我所謂的萬惡淵藪，就是他那龐大的練習曲集。從拜爾彈完後就不斷的是我們的夢靨，俗稱徹爾尼100的Op.599練習曲集，緊接著就是徹爾尼30(Op.849)，再來又跟著Op.337的四十首練習曲，所有的東西就是不斷練習手指的靈活與機械技巧，然後每個星期都練到有種要”起笑”的感覺。徹爾尼的豐功偉業，我想對於從小學鋼琴的人來說，都是無法忘記的一頁。縱使在一百、三十、四十的肆虐之下，還有布爾格彌勒(Johann Friedrich Franz Burgmüller)的二十五首或十八首練習曲作為調劑(Burgmüller的作品雖然也稱作練習曲，但因為有標題及旋律線條變化較多，因此彈起來也較覺有趣)，但惡勢力依舊，我們只能屈服在他的淫威底下，繼續不斷的音階、琶音加上手指強度均勻獨立的練習。
我還是對練習曲沒有好感。
對於練習曲態度出現180度的轉變，還是在聽到蕭邦練習曲之後。其實蕭邦練習曲中最知名的離別曲很早時就已經聽過，只是當時沒有意識到這是練習曲。後來在偶然的機會下聽到一張蕭邦練習曲的全集，這才讓我對練習曲完全改觀，甚至愛上這套作品。有人聽古典音樂手邊收集了各式各樣名曲的版本，可能巴哈大提琴無伴奏就十幾個版本以上，而對於我而言，手邊最多不同版本的曲目就是蕭邦練習曲(Op.10 & Op.25)。
作為一個鋼琴老師，蕭邦當然需要想辦法磨練他徒弟們的手指，所以他也花了心力在這些作品的編寫上，因此不論是琶音的練習、半音、黑鍵、或是三連音、左手的練習等，技巧上的難度不在話下，但更加可貴的在於作品本身的旋律性也讓人印象深刻，雖然是機械化的手指練習(只要打開譜來一看便知)，但卻讓人聽來相當悅耳。光Op.10 No.1的琶音練習就可以完全吸引一個人的注意力，邊聽CD邊看譜時便已被這樣的速度懾服，更遑論現場看到鋼琴家的手指在鍵盤上飛揚的畫面。
風格的多變造就蕭邦這個作品的繽紛色彩，對於初入古典音樂世界的人來說，一定很難想像這竟然是練習手指的作品，或者他們會有一種”原來練習曲很好聽”的錯覺。但實際上在音樂史中留下來的練習曲作品，有大多數的風格幾乎就是徹爾尼式的，每首曲子專練某種技巧，而對於旋律線條並不甚講究，在和聲上的行進也以最單純的方式來處理，這也難怪讓人覺得枯燥乏味。
儘管作為一個蕭邦練習曲的粉絲(對於某個曲目以粉絲自居還是有點怪怪的)，但要讓我介紹古典音樂的入門曲目，我還是不會把這套全本練習曲作為首選，但是其中幾個比較有名的作品，像是離別曲(Op.10 No.3)、革命(Op.10 No.12)、或者冬風(Op.25 No.11)等，倒是很適合給入門者一些音樂的想像空間，這些作品大多輕薄短小，聽了也不會讓人有時間太長倒胃口的顧慮。而最小巧玲瓏的大概非Op.25 No.9(別號”蝴蝶”)莫屬，不到一分鐘的作品中，左右手分別靈活的在幾乎都是黑鍵的音上游走，如蝴蝶翩翩起舞，在花叢中穿梭飄忽不定的畫面就隨著音樂浮現在眼前。最後輕輕的幾個音，就好像飛舞的蝴蝶倏地消失在花叢背後，卻再也找不著的感覺。相較於蕭邦的練習曲裡面的一些大作品，我反而喜歡這種輕盈的小品，至少聽起來讓人覺得心情很愉快，很放鬆，而不是像革命這類聽得讓人有內心掙扎的糾結。
困難但不炫技，優美而不燦爛，我想我會給蕭邦練習曲這兩句簡短的總結吧！
附上Martha Argerich蕭邦練習曲Op.10 No.4的現場演奏
但是即使學琴過了二十年，知道這本教本舉足輕重的地位，對於那時候的我來說，對練習曲實在沒有什麼好印象。每當一本練習曲彈完，以為可以結束這場地獄的試煉時，偏偏另一本練習曲又接踵而來。這個萬惡的淵藪就是人稱鋼琴教育大師的徹爾尼(Carl Czerny)。徹爾尼師從貝多芬、薩列里(Antonio Salieri，就是在阿瑪迪斯這部電影中那個追憶他跟莫札特的過節的老人)，而鋼琴的炫技派作曲家李斯特則是撤爾尼的學生，在這個一脈相傳的古典譜系中，他的承先啟後地位並不因他沒有什麼重要的大作品(交響曲、協奏曲等)而因此消失在歷史的洪流之間，相反地，因為練習曲產量極高，而奠定他在歷史上不朽的地位。
Carl Czerny在維也納中央墓園的墳地
我所謂的萬惡淵藪，就是他那龐大的練習曲集。從拜爾彈完後就不斷的是我們的夢靨，俗稱徹爾尼100的Op.599練習曲集，緊接著就是徹爾尼30(Op.849)，再來又跟著Op.337的四十首練習曲，所有的東西就是不斷練習手指的靈活與機械技巧，然後每個星期都練到有種要”起笑”的感覺。徹爾尼的豐功偉業，我想對於從小學鋼琴的人來說，都是無法忘記的一頁。縱使在一百、三十、四十的肆虐之下，還有布爾格彌勒(Johann Friedrich Franz Burgmüller)的二十五首或十八首練習曲作為調劑(Burgmüller的作品雖然也稱作練習曲，但因為有標題及旋律線條變化較多，因此彈起來也較覺有趣)，但惡勢力依舊，我們只能屈服在他的淫威底下，繼續不斷的音階、琶音加上手指強度均勻獨立的練習。
我還是對練習曲沒有好感。
對於練習曲態度出現180度的轉變，還是在聽到蕭邦練習曲之後。其實蕭邦練習曲中最知名的離別曲很早時就已經聽過，只是當時沒有意識到這是練習曲。後來在偶然的機會下聽到一張蕭邦練習曲的全集，這才讓我對練習曲完全改觀，甚至愛上這套作品。有人聽古典音樂手邊收集了各式各樣名曲的版本，可能巴哈大提琴無伴奏就十幾個版本以上，而對於我而言，手邊最多不同版本的曲目就是蕭邦練習曲(Op.10 & Op.25)。
作為一個鋼琴老師，蕭邦當然需要想辦法磨練他徒弟們的手指，所以他也花了心力在這些作品的編寫上，因此不論是琶音的練習、半音、黑鍵、或是三連音、左手的練習等，技巧上的難度不在話下，但更加可貴的在於作品本身的旋律性也讓人印象深刻，雖然是機械化的手指練習(只要打開譜來一看便知)，但卻讓人聽來相當悅耳。光Op.10 No.1的琶音練習就可以完全吸引一個人的注意力，邊聽CD邊看譜時便已被這樣的速度懾服，更遑論現場看到鋼琴家的手指在鍵盤上飛揚的畫面。
風格的多變造就蕭邦這個作品的繽紛色彩，對於初入古典音樂世界的人來說，一定很難想像這竟然是練習手指的作品，或者他們會有一種”原來練習曲很好聽”的錯覺。但實際上在音樂史中留下來的練習曲作品，有大多數的風格幾乎就是徹爾尼式的，每首曲子專練某種技巧，而對於旋律線條並不甚講究，在和聲上的行進也以最單純的方式來處理，這也難怪讓人覺得枯燥乏味。
儘管作為一個蕭邦練習曲的粉絲(對於某個曲目以粉絲自居還是有點怪怪的)，但要讓我介紹古典音樂的入門曲目，我還是不會把這套全本練習曲作為首選，但是其中幾個比較有名的作品，像是離別曲(Op.10 No.3)、革命(Op.10 No.12)、或者冬風(Op.25 No.11)等，倒是很適合給入門者一些音樂的想像空間，這些作品大多輕薄短小，聽了也不會讓人有時間太長倒胃口的顧慮。而最小巧玲瓏的大概非Op.25 No.9(別號”蝴蝶”)莫屬，不到一分鐘的作品中，左右手分別靈活的在幾乎都是黑鍵的音上游走，如蝴蝶翩翩起舞，在花叢中穿梭飄忽不定的畫面就隨著音樂浮現在眼前。最後輕輕的幾個音，就好像飛舞的蝴蝶倏地消失在花叢背後，卻再也找不著的感覺。相較於蕭邦的練習曲裡面的一些大作品，我反而喜歡這種輕盈的小品，至少聽起來讓人覺得心情很愉快，很放鬆，而不是像革命這類聽得讓人有內心掙扎的糾結。
困難但不炫技，優美而不燦爛，我想我會給蕭邦練習曲這兩句簡短的總結吧！
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